En 1974, Jordi Savall y Montserrat Figueras, junto con Lorenzo Alpert y Hopkinson Smith fundaron en Basilea el grupo Hespèrion XX, un conjunto de música antigua que pretendía recuperar y difundir el rico y fascinante repertorio musical anterior al siglo XIX a partir de nuevas premisas: los criterios históricos y los instrumentos originales. Su nombre, Hespèrion, significa «originario de Hesperia», que en griego antiguo era la denominación de las dos penínsulas más occidentales de Europa: la ibérica y la italiana. También era el nombre que recibía el planeta Venus cuando aparecía por Occidente. Hespèrion XX, a partir del año 2000, cambia la denominación a Hespèrion XXI.

Hespèrion XXI es hoy día una referencia ineludible para comprender la evolución de la música en el periodo comprendido entre la Edad Media y el Barroco. Su labor de recuperación de obras, partituras, instrumentos y documentos inéditos tiene un doble valor incalculable: por un lado el riguroso trabajo de investigación aporta nuevos datos e interpretaciones sobre los conocimientos históricos de una época, y por otro, la exquisita calidad de las interpretaciones pone al alcance del público la posibilidad de disfrutar con naturalidad de la delicadeza estética y espiritual propia de las obras de aquel tiempo.

Desde el principio, Hespèrion XXI tomó un rumbo artístico claro e innovador que acabaría creando escuela en el panorama mundial de la música antigua, ya que concebía y concibe la música antigua como instrumento de experimentación musical, y con ella busca la máxima belleza y la expresividad en las interpretaciones. Todo intérprete de música antigua tiene un compromiso con el espíritu original de cada obra y tiene que aprender a conectar con ella a través del estudio del autor, de los instrumentos de la época, de la obra en sí y de sus circunstancias concretas. Pero como artesano de la música, también está obligado a tomar decisiones sobre lo que está interpretando: de su talento, de su creatividad y de su capacidad de transmitir emociones depende su capacidad para conectar el pasado con el presente, la cultura con su divulgación.

El repertorio de Hespèrion XXI incluye entre otras, obras del repertorio sefardita, romances castellanos, piezas del Siglo de Oro español y de la Europa de las Naciones. Algunos de sus programas de conciertos más celebrados han sido las Cantigas de Santa María de Alfonso X el Sabio, La Diáspora Sefardí, las músicas de Jerusalén, de Estambul, de Armenia o las Folías Criollas. Gracias al destacadísimo trabajo de los numerosos músicos y colaboradores que han participado con el conjunto durante todos estos años, Hespèrion XXI tiene todavía un papel clave en la recuperación y la revaloración del patrimonio musical con una gran repercusión a nivel mundial. Con más de 60 CDs publicados, a día de hoy la formación ofrece conciertos por todo el planeta y es miembro habitual de los grandes festivales internacionales de Música Antigua.

Del virreinato de Perú proviene una pieza de influencia amerindia, si cabe más fascinante. Es lo más cercano a un registro “etnomusicológico” de música amerindia de Perú que nos ha llegado de la época colonial: una cachua tradicional, o canción navideña, recogida ya a finales del siglo XVIII por el obispo de la diócesis peruana de Trujillo, Baltasar Martínez Compañón, y aquí utilizada como base de una improvisación instrumental. Tanto si la música es de origen ibérico como amerindio, debemos recordar el hecho de que esta herencia musical multicultural se desarrolló por la interacción triangular de la Península, África y el Nuevo Mundo; y que se generó por el encuentro real de tres tradiciones vivas que se influyeron mutuamente en el contexto de una práctica interpretativa basada principalmente en la improvisación, en lugar de en un enfoque puramente académico.

No obstante, al entrar en el último cuarto del siglo XVII, la folía experimenta otro proceso de estandarización en el que la versión de la línea del bajo dada más arriba pasa a ser la norma (asignando a cada tono la duración de un compás de tres tiempos), y asociando también un discantus estándar a la secuencia armónica así obtenida. Durante todo el siglo XVIII, se convierte en toda Europa en uno de los bajos más apreciados, con unas variaciones instrumentales de gran virtuosismo, en manos de compositores tan importantes como Corelli, Alessandro Scarlatti, Vivaldi y Buononcini en Italia, Marais y D’Anglebert en Francia, o Johann Sebastian y Carl Philipp Emmanuel Bach en Alemania. La “Follia” de Corelli, incluida en su famosa colección de sonatas para violín y bajo continuo Op. 5, de 1700, influyó de manera especial en el desarrollo de una amplia gama de variaciones sobre este tema, muy imitadas luego por un sinfín de compositores menores. Huelga decir que, incluso en su nueva forma barroca estandarizada, la folía continúa siendo un elemento fundamental del repertorio instrumental ibérico de los siglos XVII y XVIII. El arreglo perteneciente a la colección manuscrita de Antonio Martín y Coll Flores de Música (circa 1690) es un ejemplo de ello, particularmente encantador. Cherubini rindió homenaje más adelante al origen portugués de la folía al utilizarla como tema principal de la obertura de su ópera L’hôtellerie portugaise, de 1798. Incluso algunos virtuosos románticos del piano, llegando hasta 1867 (Liszt, Rapsodia española) y 1931 (Rachmaninov, Variaciones sobre un tema de Corelli), se servirán de ella como símbolo de continuidad con una gran tradición de casi tres siglos de brillantes variaciones para el teclado.

La fiesta del son en México es el fandango -llamado también huapango– en el que todos los concurrentes son invitados a bailar, cantar y tocar, congregados alrededor de una tarima, que no solo sirve para bailar, sino que se constituye en el instrumento de percusión fundamental, el centro de la fiesta. Los fandangos eran comunes a ambos lados del Atlántico ya desde finales del siglo XVII. El Fandanguito jarocho de hoy es musicalmente idéntico al Fandango barroco del Códice Saldívar 4. El son del Fandango, probablemente originado en la cuenca del Caribe en el siglo XVII, se convirtió en la pieza de música mas célebre en la España de principios del siguiente siglo, y su baile fue descrito por Giacomo Casanova como “la expresión del amor de principio a fin”.

Además de Ortiz, hay que destacar muchos otros compositores peninsulares de música instrumental que escribieron para vihuela, guitarra, clavicémbalo u órgano y que se sirvieron de estos u otros bajos continuos en sus obras. En su Facultad organica de 1626, una de las composiciones más influyentes de la música manierista para teclado de la Península, el organista Francisco Correa de Arauxo (ca. 1576-1654) escogió una melodía de bajo algo más larga para crear un conjunto de variaciones de una belleza extraordinaria: Todo el mundo en general.

Otra danza popular española adoptada por otros países europeos como base para variaciones instrumentales hasta mediados del siglo XVIII fue la de los Canarios, posiblemente surgida en las islas Canarias. Descritas a menudo, aunque no sin una cierta fascinación, cabe añadir, como “bárbaras” o “inmorales”, estas danzas fueron convirtiéndose en números cortesanos que se adecuaban al gusto barroco, perdiendo en el ínterin gran parte de sus características populares iniciales. Aun así, se mantuvieron como uno de los componentes centrales del repertorio instrumental europeo.

Por su parte, los compositores italianos de finales del Manierismo y principios del Barroco cultivaron extensamente este género en sus obras instrumentales para solista o conjunto instrumental, como en la Gallarda Napolitana (Intavolatura de címbalo, 1576) de Antonio Valente o en las diferentes colecciones publicadas durante la primera mitad del siglo XVII por Salomone Rossi (1570-ca.1630), Biagio Marini (ca.1587-1663) o Tarquinio Merula (1594 o 95-1665), entre otros.

Como sucede con prácticamente todos los géneros de música instrumental de los siglos XVI y XVII, no debemos olvidar que la mayoría de las variaciones sobre una danza publicadas durante estos dos siglos fueron obra de autores que eran, a su vez, egregios virtuosos y que deseaban con sus composiciones dar muestras de un dominio técnico del instrumento a menudo consustancial a su extremada habilidad en la improvisación. Como norma general para la interpretación durante dicho período, no sólo se esperaba de otros instrumentistas ansiosos por tocar dichas obras que añadieran florituras ad libitum y disminuciones a la partitura; en ningún caso, dos ejecuciones de una misma obra a cargo del mismo intérprete, ya fuera el autor u otro virtuoso, jamás serían idénticas. En muchos sentidos, una versión impresa de una obra instrumental Manierista o Barroca (especialmente en el caso de la música peninsular e italiana de los siglos XVI y principios del XVII) puede ser únicamente considerada de ese modo: como una versión, que no intenta, en modo alguno, presentar un texto definitivo y canónico de esa obra. Precisamente por ello, y hasta cierto punto, se asemeja más a la grabación en directo de una actuación de jazz, donde se aprecia totalmente la espontaneidad de la improvisación, que al ideal decimonónico de un Urtext inamovible. En un repertorio basado no tanto en las consideraciones puramente formales o contrapuntísticas como en una sucesión de elaboraciones virtuosas libres a partir de una línea de bajo preexistente, la búsqueda de la verdadera “autenticidad” en una interpretación moderna debe tener en cuenta el redescubrimiento de este inagotable elemento de permanente creatividad personal. Por este motivo, este programa no se caracteriza tan sólo por la constancia del elemento improvisador en la manera de pensar las obras interpretadas, sino que incluye un fragmento de improvisación real colectiva.

Jordi Savall, Rui Vieira Nery

“Jordi Savall pone de manifiesto una herencia cultural común infinitamente diversa. Es un hombre de nuestro tiempo.” (The Guardian)

Jordi Savall es una de las personalidades musicales más polivalentes de su generación. Hace más de cincuenta años que da a conocer al mundo maravillas musicales abandonadas en la oscuridad de la indiferencia y del olvido. Dedicado a la búsqueda de estas músicas antiguas, las lee y las interpreta con su viola de gamba o como director. Su actividad como concertista, pedagogo, investigador y creador de nuevos proyectos, tanto musicales como culturales, lo sitúan entre los principales artífices del fenómeno de la revalorización de la música histórica. Es fundador, juntamente con Montserrat Figueras, de los grupos musicales Hespèrion XXI (1974), La Capella Reial de Catalunya (1987) y Le Concert des Nations (1989) con los que explora y crea un universo de emociones y de belleza que proyecta al mundo y a millones de amantes de la música antigua. Posteriormente, fundó en 2017 La Jove Capella de Catalunya, seguida en 2020 de La Capella Nacional de Catalunya, con el objetivo de crear una cantera de cantantes internacionales para La Capella Reial de Catalunya y de hacer accesible la música histórica y contemporánea a todo tipo de públicos. En 2018, creó Orpheus 21, un conjunto musical integrado por músicos profesionales, migrantes y refugiados del Mediterráneo, y en 2023 fundó Les Musiciennes du Concert des Nations, una orquesta exclusivamente femenina especializada en repertorios barrocos, inspirada en las orquestas femeninas del siglo XVIII, especialmente en Italia.

Con su participación fundamental en la película de Alain Corneau Tous les matins du monde (Todas las mañanas del mundo), que ganó el César a la mejor banda sonora, su actividad concertística (140 conciertos al año, aproximadamente), su discografía (6 grabaciones anuales) y la creación en 1998, con Montserrat Figueras, de su sello ALIA VOX, Jordi Savall demuestra que la música antigua no es necesariamente elitista, si no que interesa a un público amplio de todas las edades, cada vez más diverso y numeroso.

A lo largo de su carrera, ha grabado y editado más de 230 discos de repertorios de música medieval, renacentista, barroca y del clasicismo, con una especial atención al patrimonio musical hispánico y mediterráneo, que han sido merecedores de muchas distinciones como el Midem Awards, el International Classical Music Awards-ICMA y un Grammy Award. Sus programas de concierto han convertido la música en un instrumento de mediación para la concordia y la paz entre pueblos y culturas diferentes y a veces confrontadas. Por este motivo, en 2008, Jordi Savall fue nombrado Embajador de la Unión Europea por el diálogo intercultural y, junto a Montserrat Figueras, fueron investidos “Artistas por la Paz” dentro del programa “Embajadores de buena voluntad” de la UNESCO.

Entre 2020 y 2021, por el 250 aniversario de Ludwig van Beethoven, dirigió la integral de sus sinfonías al frente de la orquesta Le Concert des Nations y las grabó en dos CDs con el título “Beethoven Révolution.” El impacto que han producido en el mercado discográfico internacional ha sido definido incluso como “un milagro” (Fanfare) y la crítica alemana distinguió el volumen II con el Schallplattenkritik Prize como mejor disco orquestal.

Su fecunda carrera musical ha sido merecedora de las más altas distinciones nacionales e internacionales, entre las cuales cabe destacar, el título de Doctor Honoris Causa de las Universidades de Évora (Portugal), Barcelona, Lovaina (Bélgica), Basilea (Suiza) y Utrecht (Países Bajos), la insignia “Chevalier” de la Legión de Honor de la República francesa, el Premio Internacional de Música por la Paz del Ministerio de Cultura y Ciencia de la Baja Sajonia, la Medalla de Oro de la Generalitat de Catalunya, el premio Helena Vaz da Silva, el prestigioso Premio Léonie Sonning, considerado el premio Nobel de la música, y es miembro de honor de la Royal Philharmonic Society, de la Real Academia Sueca de la Música y de la Accademia Nazionale di Santa Cecilia.

Desde su creación en 1998, Alia Vox se ha establecido como uno de los principales sellos discográficos de música antigua. Es el productor en exclusiva de las grabaciones de Jordi Savall y sus conjuntos.

Comienza su formación musical de la mano de Hebe Onesti (educación auditiva) y de Horacio Icasto (piano).

Su andadura en el mundo de la percusión clásica comienza  con Juanjo Guillem. Posteriormente se interesa por la percusión histórica, recibiendo clases de Pedro Estevan.

Paralelamente estudia percusión árabe con Shokry Mohamed y Salah Sabagh. Completa su formación con cursos y clases magistrales de Glen Vélez (req y frame drumming), Keyvan Chemirani (zarb) y Pejman Haddadi (zarb y daff).

Desarrolla la mayor parte de su actividad en grupos dedicados a la música medieval, renacentista y barroca (Hespérion XXI y La Capella Reial de Cataluña dirigidos por Jordi Savall, L´Arpeggiata, La Galanía, Kapsberger  Ensemble, Eduardo Paniagua, Hirundo Maris, La Ritirata, Ensemble Eloqventia, Orphenica Lyra, Camerata Iberia, Forma Antiqva, Dufay Colletive, Cuarteto de Urueña, Capella Antiqva, Bambergensis, Mudejar, Les Sacqueboutiers) con los cuales ha actuado por toda Europa y numerosos países del mundo  (Carnegie Hall y Lincoln Center en Nueva York, Festival de Músicas Sagradas de Fez, Instituto Cervantes de Beirut, Opera de El Cairo en Egipto, Siria, Túnez, Festival de Oud de Jerusalem, Kuwait, Feria del Libro en Cuba, Brasil, etc.

En el campo de las músicas étnicas y de fusión ha actuado entre otros grupos con Radio Tarifa, Luis Delgado, Hirundo Maris, Cuarteto de Javier Coble, Albaraka, el guitarrista egipcio Ali Khatabb y con el ballet flamenco de Joaquín Ruiz. Formó parte del trío Transit, en el que se presentaba de una manera pedagógica un viaje por las tradiciones musicales de la India, Cuba y Oriente Próximo a través de sus instrumentos de percusión.

Ha tocado en numerosas compañías de danza oriental, destacando la Compañía Hispano-Arabe de Danza de Shokry Mohamed, la compañía Al-Andalus Danza dirigida por Nesma (Julia Salmerón) y la Compañía de Danzas del Mundo (Cristiane Azem y Lenna Beauty).

Entre sus colaboraciones discográficas destacan: Tánger (Luis Delgado/Nubenegra), Ibn-Arabi, Bestiario, Cantigas de Santa María de Atocha, Latidos de Al-Andalus (Sello Pneuma), Passion for Percussion (con Shokry Mohamed), La Música del Antiguo Egipto (N.A. Recordings), Hirundo Maris (ECM Records), Al-son (Mudéjar), Altre Folie y Estampies & Danses Royales (Jordi Savall/Alia-Vox), Los Imposibles (L’Arpeggiata/Naïve),Teatro d´Amore (L`Arpeggiata/Virgin) y El Fuego (Les Sacqueboutiers).

Enrike Solinís nace en Bilbao. Premiado en numerosos concursos internacionales de guitarra en su primera época (Comillas, Ataúlfo Argenta, Andrés Segovia entre otros) ha colaborado y colabora habitualmente con prestigiosas formaciones como Hespèrion XXI, Le Concert de Nations y la Capella Reial de Catalunya dirigidos por Jordi Savall, Concerto Vocale y Akademie für Alte Musik dirigido por René Jacobs, etc.

Fundador y director del grupo Euskal Barrokensemble, en 2013 presenta su primer disco, “Colores del Sur, baroque dances for guitar” (Glossa Music) con gran éxito de ventas y crítica. El segundo disco del grupo, publicado ya por Alia-Vox en 2015, “Euskel Antiqva, le legs musical du Pays Basque. “El Amor Brujo; Esencias de la música de Manuel de Falla” Alia-Vox 2017. El cuarto trabajo “Juan Sebastián Elkano: La primera vuelta al mundo” Alia-Vox 2019, disco nominado a los International Classical Music Awards 2019, es un doble disco libro premiado con galardones como el Musika Saria del País Vasco, que ha sido reconocido por un público musical que va más allá del tradicional de la música clásica-barroca, haciendo que Euskal Barrokensemble tenga una proyección internacional y haya recibido reconocimientos en revistas y radios especializadas de todo el mundo. Universal publicó su quinto disco Omnia vincit Amore con la cantaora Rocío Márquez y en el año 2021 salió su último disco solista hasta la fecha, Ars Lachrimae en Alia-Vox con música alemana para laúd barroco, disco que ha sido destacado como excepcional en las revistas discográficas por la crítica especializada.

Dirigiendo Euskal Barrokesemble ha dado conciertos que han sido retransmitidos por las televisiones y radios públicas de diversos países: Wiener Konzerthaus, Radio France en Paris, Montreal Music Festival, Music Festival Potsdam Sanssouci, Festival Leo Brouwer de la Habana, Auditorio Nacional de Madrid sala Sinfónica, L’Auditori de Barcelona, Gliwice, Lituania, Bélgica, Kursaal de Donostia.

Como solista con orquestas ha actuado con la Tonkunstler Orchestra Austria, Vivaldi Concertos. Director Attilio Cremonessi, Orquesta Sinfónica de Bilbao. Real Filharmonía de Galicia. Directores. Pablo González y Jessica Cottis, Brandenburger Symphoniker, Director Michael Helmrath, Ensemble Leo Brouwer. Dirección Leo Brouwer NDR Big Band. Director Geir Lysne, etc.

Ha grabado y compuesto música para películas, como Jota de Carlos Saura, Ventanas al Mar de Miguel Ángel Jiménez o La trinchera Infinita de Moriarti.  No descuida su faceta pedagógica impartiendo clases y cursos en diferentes festivales y conservatorios de Europa y América. Es la actualidad es profesor de Laúd en el conservatorio Jesús de Monasterio de Santander.